超日常― 第二屆大臺北當代藝術雙年展

那滿額皺紋、年老工人般的《多疑聖托馬斯》,魯莽地將食指探入耶穌的肋骨。如果我們朝著卡拉瓦喬所再現的這幕「日常」手勢望去,免不了看見維梅爾畫裡日光斜照下倒著牛奶的婦人、庫爾貝的捆石工人、米勒農田裡的拾穗婦人,乃至馬內所描繪的蘆筍,甚或回想起早在15世紀初便堅持以回到現實的方式刻畫日常一隅的范艾克;從自然主義、寫實主義、達達、新達達、普普藝術、集合藝術、新寫實主義、激流派、偶發藝術、貧窮藝術……至今,若藝術實踐進程早已讓藝術一步步從完美神聖的殿堂走入「日常」,那麼,走入「日常」後的當代藝術何去何從⸺「日常」是否一如往昔仍為驅動藝術實踐的創作資源之一?而若人們熟悉的「日常」總是有所遮蔽,讓人無法直視生活本身,從藝術折返日常是否能讓我們洞察生活?

第二屆大臺北當代藝術雙年展,以「超日常」為展題,集結來自法國、美國、奧地利、盧森堡、日本以及臺灣等地的藝術家;首先邀請臺灣小說家駱以軍,沿著「北區藝術聚落」與「九單藝術實踐空間」這一片巷弄蜿蜒的展場空間,書寫一部揉合日常生活殘影、以及曾經於此發生之作品片段的小說《翻牆者》,以此作為第一件介入雙年展的作品,揭開本屆雙年展的序幕。受邀參展的藝術家,繼而以此小說以及展場空間作為創作發想的參照,以接龍的方式分線發展,而作品在個別發展的同時,亦成為其他作品的參照對象,彼此漸次勾勒出隱形的聯動關係。由此,以展場空間為主軸書寫而成的小說、以小說為創作發想參照的作品,在互為文本的過程中,漸次開啟一種介於作品、文本以及場所之間的多層次對話,交織出相互指涉的意義網絡,一如層層疊疊的複寫跡痕,積澱成如羊皮紙般的隱跡文本。如此從日常衍異的「超日常」,不只停留在日常的再現或轉譯,也並非源於與日常之間的斷裂,而是藝術創作主體在不同的現實切面之間,經由對日常進行拆解與重構的各種藝術實踐而重返日常,並在重返之中揭示日常的原始獨特;透過與日常拉開距離,從此間的依附關係中尋獲參照點/可把握/可超越之處,以將日常化為可賴以創造的無窮資源;猶如於日常的內在輕劃出一道摺痕,讓日常的既有向度在微微轉向之際,指出陌生未知的他方,將日常帶向似近却遠之處,賦予它原本沒有的將來。藉此,我們希冀開啟藝術與日常的多重對話關係,並於展期間透過一系列的論壇與工作坊,逐步揭開「藝術工作者們的日常」,邀請觀者穿行在充滿皺褶的想像與思考空間,覺察一層又一層被挪用、變形或轉化的日常:越是超日常,越是回到日常。

《翻牆者》

駱以軍
臺灣當代重要小說家,曾獲第三屆紅樓夢獎世界華文長篇小說首獎、聯合報文學大獎、臺灣文學獎長篇小說金典獎、時報文學獎短篇小說首獎、聯合文學小說新人獎推薦獎、臺北文學獎等。著有多部長、短篇小說集,為臺灣創作質量最佳的當代小說家之一。

張君懿
藝術家/策展人,近年創作關注如何在「遊戲/事件」之間重新複現永逝之物、在瞬息萬變之中襯托出持存的永恆。巴黎第一大學造形藝術創作博士、法國魯昂藝術學院碩士,曾獲德國「格爾達.漢高」與法國「遠見與創新」獎學金,於法國人文之家世界研究學院進行博士後研究,師從法國思想家朱利安。

《翻牆者》
2018│紙本書、電子書、有聲書,混合媒材―木材、LED燈、壓克力、鍍鋅鋼板、電腦、觸控式螢幕、iPod touch、耳機,尺寸依場地而定

《翻牆者》為小說家駱以軍為2018年「大臺北當代藝術雙年展-超日常Daily+ 」所書寫之新作。此小說是以展區舊眷舍空間為軸,揉合老空間過去生活影像與曾在此空間發生的作品書寫而成,作為第一件介入此次雙年展的作品,成為受邀參展藝術家創作發想的參照文本。策展人/藝術家張君懿則將此沿著展場空間書寫的小說轉化為不同的閱讀與展呈形式,包括美術館展區中的紙本閱讀區「閱讀膠囊」、巡迴各串聯藝文單位中的微型展臺「超日常衛星站」(含電子書及有聲書)以及分布在展場中描繪展場空間意象的碑文「翻牆指南」,讓小說文本重新折返展覽場所。

《非動機信》/ 《接下來該怎做?》/ 《拉娜猩語》

朱利安•佩維厄
獲2014年杜象獎,曾參與第10屆伊斯坦堡國際雙年展以及2015年里昂雙年展等大型國際性展出;作品融合各種媒體和文化工業,以精確的機智和批評意識、質疑並反思當今世界的種種策略與現象。

《非動機信》
2000-2007│A4紙張上列印徵人啟事、藝術家的應徵信、徵人單位回覆
在此計畫期間,藝術家化身各種角色回應徵才廣告,透 過書寫「不應徵工作」的「非動機信」,揭示企業招聘 體系的荒謬性。

《接下來該怎做?》
2014│高畫質影像,有聲
藝術家以智慧手機的「滑動解鎖」專利手勢為構想繪編 成舞譜,由六位舞者表演這些抽象舞步,讓這些專利化 手勢從實際功能中釋放出來。

《拉娜猩語》
2014│木板網印
透過專為非人類靈長目語言學習所創造的人工語言 「耶基斯語」,黑猩猩拉娜可以與人類溝通索取食物。 藝術家在掌握此語言的同時,構想出一系列超現實主 義視覺詩。

《光尺》

菲力絲•艾斯堤恩•多佛
作品結合光影投射、雕塑與新興科技,側重視覺感官的過程與情境。擅長以光影作畫,透過陰影或顏色漸層效果來達成視錯覺,也常運用現象學式的手法來強調時間感知的連續性。從2014年開始,她的重心轉向與天體物理學相關之空間,以及自然光週期的研究。

2016│鋼、LED、電子裝置、程式|113 × 4 × 2.5 cm

此系列作品以宇宙時間與自然的相關性為參考系統,以一公尺為基準,光在尺上的軌跡將根據美國太空總署對星體預測的實際位置,顯示一年內的持續演變;可變的衡量幅度會隨著太陽系中每個星體與地球之間的即時距離而有所變化。其恆常的變動幅度擺脫了片段的時間衡量標度,讓瞬間的思緒轉成綿延的感知。

《場景調度》

伯恩德•歐普
作品強調空間的形式、表面與建築設計,試圖將之隱遁於無形,像是把居民們轉移他處。歐普擅長使用模型建構一個介於現實與想像間的空間,模擬日常的空間情境,藉由視角的轉換來擾亂人的們感官。

《場景調度》
2018│混合媒材,尺寸依場地而定

這一系列的黑房間實際上是藝術家針對完全空曠的空間所作的場景調度。它們是真實空間的縮小版本,黑白色調與光滑表面去除了場景中原有的雜亂細節,強調過渡空間中不確定性所主導的灰色地帶經驗。此次展出包含五件子作品:〈放映室〉、〈在宇宙微波背景的閃爍中〉、〈我在網路中漫遊〉、〈全都藏〉,以及〈黑鏡〉。

《露西之夢》

杜立安•高登
藝術家的裝置經常包含精心設計卻沒有任何明確目的的機械動力裝置,啟動後會造成自主性的移動。這些自動、無法預期的藝術品讓觀者質疑物的本質,以及當人類面對機械裝置時,是主動的使用者,還只是被動的觀者。

《露西之夢》
2018│鋁、動力機械裝置、床|190 × 90 × 100 cm

藝術家以一張加裝滾輪、切成兩半的老舊單人床連結機械裝置,使其得以張合移動,如走馬燈般,在展場中不斷移動繞圈,彷彿在找尋一個遙不可及的出口。

《個人電腦音樂》

查理•卡克皮諾
法國獨立策展人暨錄像藝術家,2000-15年起擔任法國影像創作中心克提爾藝術之家演藝廳負責人,設計多種影像、舞台與媒體互動裝置。目前為跨藝術新科技影像平台EXIT藝術節與VIA藝術節之國際展演活動策展人。

《個人電腦音樂》
2008│複合媒材|由查理•卡克皮諾與馮索-厄德•瓊弗共同製作

此作品使用作曲家馮索-厄德•瓊弗的個人電腦音樂,演繹作曲家生命最後片刻。以單音起始的樂音愈趨複雜同時,其波型在數位調音程式下簡化、扭曲,而後透過投射轉化為空間,創造極致的融浸經驗,讓觀者宛如走入音樂之中。

《後窗》

傑夫•帝森
曾獲2012電子藝術大獎的帝森是一位多棲創作者:同時是作家、電影導演與視覺藝術家。作品結合了實境動作、拾得錄影和數位特效,並獲邀於世界各地的眾多藝術節中展出。

《後窗》
2010│影像裝置|2400 × 600 px

此作品使用後製與Photoshop軟體精心剪貼,將希區考克的經典電影《後窗》風景以原鏡頭攤開重建,重新創作20分鐘的全景動態影像;逼近原作之真實性的同時,亦重新創造推動著敘事的環境變化。

《隨時準備體驗藝術家的習癖?》

艾曼紐•雷內
班雅明•瓦倫薩

雷內的作品經常吸收與融合周圍環境,「組裝」她在場館和其它地方找到的材料,利用日常物品的視覺語言,特別強調事物以意料之外的方式形成的時刻;瓦倫薩是位於洛桑的獨立藝術空間1m3的創辦人之一,也是Labor Zero Labor執行製作,同時也在波爾多高等藝術學院任教。

《隨時準備體驗藝術家的習癖?》
2018│彩色影像、立體聲

以多人受訪片段彙整、構成女主角一人多角的敘述綜合體,片中主導的女人是所有藝術機構的一則寓言:她是一個不斷變化、無法定義之虛構女性身體,也是個寓意不定的寓言。

《比鄰星B》

奧利維耶•帕斯格
聲音與視覺藝術家,也是音樂製作人。除了音樂與裝置藝術,同時涉足表演藝術,如舞蹈、劇場與歌劇,與建築、建築設計與特殊場地有密切關係。熱愛藝術與科學的二元性,並致力於在其藝術研究中加入科學思考的元素。

《比鄰星B》
2016│錄像聲音裝置|15 min. loop

此作品是一部不斷自我生成的聲音錄奧利維耶•帕斯格聲音與視覺藝術家,也是音樂製作人。除了音樂與裝置藝術,同時涉足表演藝術,如舞蹈、劇場與歌劇,與建築、建築設計與特殊場像,以巨量的對比層相互作用為基礎所譜成的純粹視覺文本。它以聲音紋理與像素作為最小單位,透過原生運算系統彼此結合後會生成新的模式。重複播放的影像不是相同的迴圈,而是時時刻刻都在變化。

《大觀別墅―極短篇》

劉和讓
以「攝影和創作並非僅僅涉及影像自身或技術操作問題」為創作觀,其藝術實踐方式往往映照出對象物相屬之社會關係和政治性意義;一個物件、地方、社群的顯影是在勞動、時間總總因素的疊置下展現獨一無二的特殊和差異性。藉由挪動可見與不可見的關係,他為藝術的社會機能、感知介質鋪陳了新的想像。

《大觀別墅―極短篇》
2018│複合媒材

這件作品創造了時間上的空間移轉,以藝術家私人的世界來回應龐大的公共世界,從物的記憶中,浮現時間裡在現實的相交方式。以「大觀別墅」為空間的裝置作品包含四件1993-1994年間的雕塑〈捲曲的雲〉、〈青銅器〉、〈純潔的象徵〉、〈墜落的雲〉,同時「極短篇」的文字則透過信件書寫,投遞給在現場的鄰居,彌補藝術身份在地方的缺席。

《錯置》/ 《片刻》

皮埃爾-倫特•卡西爾
受到聲音考古學、建築、音樂學與生理覺的影響,作品強調與運動有關之感知經驗。其聲音影像裝置經常處理感官的極限,以脆弱、不起眼,甚至非物質元素吸引人們對於當下事件的注意力,藉此探索隨機與不確定性內部之詩意與沈思潛力。

《錯置》
2017│聲音裝置―電腦、程式、超聲波喇叭

《片刻》
2018│動力裝置―風扇、燈光、重低音喇叭、電腦、電力裝置

這兩件作品邀請觀者在空盪的屋子裡感受一個略微扭曲的現實。《錯置》指涉極簡主義中的雕塑姿態,而《片刻》中的場景則讓人聯想到平靜生活中流逝光陰的再現。透過感官經驗的解構重置,模糊了現實、記憶與想像的界限。

《不知》/《頌與離》 / 《潮浪》

尼可拉斯•圖爾特
作品結構豐富錯綜,如同催化劑般如夢似幻的氛圍,邀請觀者進入充滿詩意卻不與現實脫節的世界。視覺上的矛盾吸引觀者的目光,同時也質疑人類情境的脆弱。

《不知》
2018│傢俱、塑膠篷布、噴漆
以實物與投射結合,搭配無光澤的透明帆布投射出鮮麗場景,讓觀者游移在現實與虛幻之間。

《頌與離》
2018│投影、聲音,尺寸依場地而定
將移動的光粒投射在建築物內部,並依照建築的邏輯在物體上彈跳。

《潮浪》
2018│木材,聲音,依場地而定
地面上彎曲的木板如同海浪,每個開口處都可聽見水聲。

《浮洲》/ 《在牆上種一棵樹》

賴志盛
早期作品多發表在臺北都會區外圍的廢墟,以狀似徒勞的工事召喚絕對性、轉換場所意義。承接觀念藝術的反身思考,晚近的創作不斷回應著當代藝術世界賴以運作的展示系統,透過自我指涉來探索一種極微的感性。

《浮洲》
2018│複合媒材,尺寸依場地而定
在舊房舍樓板中,早已廢棄不用的、深藏的中空管道中穿附的管線末端附近挖鑿,並使用鋼索拉展至展場中,宛如將內裡看不見的管線延伸出來,並交織構築出一片近似地板卻略為懸起的平台。就如老房子在拉扯與晃動之間,造出了一片浮洲。

《在牆上種一棵樹》
2018│裝置,尺寸依埸地而定
「我在牆上種了一棵樹。
在這段時間的觀察中,我發現這裡的植物很懂得怎麼跟身邊的房子相處,而因為這些植物的關係,幾乎讓房子成了自然的一部分,所以我想種植一棵樹,在某個午後映照著光線的牆堵上。倘若某一天,它長太大了,大到足以把展牆撐壞掉,那到時候我們就有機會重新想想這個空間還能怎麼改。」

《植與蕪》

蔡宛璇
創作媒介含括裝置、圖像、錄像以及詩文書寫。2004年起與聲音藝術工作者Yannick Dauby合作創作,並先後於歐陸及臺灣,陸續透過駐村、展覽、出版、錄像或小型演出等形式發表共同作品,同時也持續進行個人創作。

《植與蕪》
2018│ 鉛字、物件、文字, 尺寸依場地而定

透過鉛字的鉛合金所呈現的物質性,與鑄於鉛塊上漢字的特有表徵及意涵系統,構築出一種具體而微的空間感知。在這片收攏與散逸、遺置與治理氣味交錯的舊眷舍區域裡,細小的鉛字嵌合於建築體表面,來自不同詮釋維度的話語字詞, 與場域內各種物質性存在,形成相互指涉、彼此借用的浮動意義網絡,或者時而逸出意義之外。

《無暗之界》

史蒂芬•帝德
喜愛使用自然元素創作雕塑和裝置作品,並特別著力於藝術與空間的關係,試圖帶給觀者浸透著故事和詩意現實的另類藝術視覺。

《無暗之界》
2018│複合媒材

作品靈感來自舊作《孤》,是藝術家為本次雙年展現地製作之新作。房舍內的水池充滿浮萍,像是覆蓋著一層皮膚。燈泡半浸在水池中,在表面不斷迴旋,畫出一個又一個的漣漪。這是一個關於時間、關於光明、關於黑暗,關於永無止盡地描畫圓弧的作品。

《高熱103°》

周曼農
作家、編導、演員。編劇作品兩度赴外亞維儂藝術節演出並多次受邀赴歐。關注劇場、影像與科技藝術領域中身體、美學、政治的問題。近年並從事跨領域創作,與舞蹈、視覺藝術、科技藝術領域合作。

《高熱103°》
2018│複合媒材,尺寸依場地而定

《高熱103°》之作品名取自取自女詩人西維亞· 普拉斯的詩名。原作為劇本,以透過非線性的語言與音樂化的獨白,探討創作、生命、愛和死亡本質。此次以視覺裝置的型態加以重新創作、展示,將劇本文字重新演繹成為空間裝置作品。

《消失的樹林》

平川祐樹
作為錄像藝術家,他的作品受到考古學、地質學與鍊金術的影響,呈現駐留在地方與事物中的時間。藝術家大部分的作品以早期動態影像與其機械設備的研究為基礎,創作方法類似媒體考古學。

《消失的樹林》
2015│ 雙頻影像裝置, 無聲

此作品包含兩個影像:簡單的樹幹切面,以及從此一切面遙望的天空;其間的空間意指曾經存在的樹木。這件作品被稱為「不存在的雕塑」,在追尋、重建過去軌跡,再現消失樹林的企圖中,呈現出人們心中的想像樹林。

《通知》

克羅德•克勞斯基
2005法國杜象獎得主,是過去廿年來法國當代藝術家的指標人物之一。作品素材 形式十分多元,涉及繪畫、雕塑、攝影、錄像、拼貼、寫作與有聲作品。其創作源 於對媒體與人際溝通的細膩觀察,窮盡各種再現形式的極限。

《通知》
Notification 2018│錄像聲音裝置、電腦程式、7臺平板電腦、30條USB充電線 (智慧型手機與平板),彩色壁紙)| 280 × 1332 × 1122 cm

本作品是藝術家為本次雙年展打造的新作品,展場空間 內由離線的7個平板電腦與許多交錯的充電線組成,部 分充電線由天花板垂直而降供觀者充電。每台平板電腦 皆安裝新設計的程式,可與觀者產生互動。

第二屆大臺北當代藝術雙年展

那滿額皺紋、年老工人般的《多疑聖托馬斯》,魯莽地將食指探入耶穌的肋骨。如果我們朝著卡拉瓦喬所再現的這幕「日常」手勢望去,免不了看見維梅爾畫裡日光斜照下倒著牛奶的婦人、庫爾貝的捆石工人、米勒農田裡的拾穗婦人,乃至馬內所描繪的蘆筍,甚或回想起早在15世紀初便堅持以回到現實的方式刻畫日常一隅的范艾克;從自然主義、寫實主義、達達、新達達、普普藝術、集合藝術、新寫實主義、激流派、偶發藝術、貧窮藝術……至今,若藝術實踐進程早已讓藝術一步步從完美神聖的殿堂走入「日常」,那麼,走入「日常」後的當代藝術何去何從⸺「日常」是否一如往昔仍為驅動藝術實踐的創作資源之一?而若人們熟悉的「日常」總是有所遮蔽,讓人無法直視生活本身,從藝術折返日常是否能讓我們洞察生活?

第二屆大臺北當代藝術雙年展,以「超日常」為展題,集結來自法國、美國、奧地利、盧森堡、日本以及臺灣等地的藝術家;首先邀請臺灣小說家駱以軍,沿著「北區藝術聚落」與「九單藝術實踐空間」這一片巷弄蜿蜒的展場空間,書寫一部揉合日常生活殘影、以及曾經於此發生之作品片段的小說《翻牆者》,以此作為第一件介入雙年展的作品,揭開本屆雙年展的序幕。受邀參展的藝術家,繼而以此小說以及展場空間作為創作發想的參照,以接龍的方式分線發展,而作品在個別發展的同時,亦成為其他作品的參照對象,彼此漸次勾勒出隱形的聯動關係。由此,以展場空間為主軸書寫而成的小說、以小說為創作發想參照的作品,在互為文本的過程中,漸次開啟一種介於作品、文本以及場所之間的多層次對話,交織出相互指涉的意義網絡,一如層層疊疊的複寫跡痕,積澱成如羊皮紙般的隱跡文本。如此從日常衍異的「超日常」,不只停留在日常的再現或轉譯,也並非源於與日常之間的斷裂,而是藝術創作主體在不同的現實切面之間,經由對日常進行拆解與重構的各種藝術實踐而重返日常,並在重返之中揭示日常的原始獨特;透過與日常拉開距離,從此間的依附關係中尋獲參照點/可把握/可超越之處,以將日常化為可賴以創造的無窮資源;猶如於日常的內在輕劃出一道摺痕,讓日常的既有向度在微微轉向之際,指出陌生未知的他方,將日常帶向似近却遠之處,賦予它原本沒有的將來。藉此,我們希冀開啟藝術與日常的多重對話關係,並於展期間透過一系列的論壇與工作坊,逐步揭開「藝術工作者們的日常」,邀請觀者穿行在充滿皺褶的想像與思考空間,覺察一層又一層被挪用、變形或轉化的日常:越是超日常,越是回到日常。

其他推薦的導覽

掃描下載導覽